L'accrochage est un moment particulier pour autant pour l'artiste que pour le galeriste. Le premier abandonne son oeuvre au public. Le second va jouer le rôle de passeur en organisant la mise en scène de la présentation pour sublimer l'ensemble dans tout harmonieux et cohérent.
Au-delà de la rencontre avec les artistes et leurs œuvres, il y a un moment que j’aime particulièrement. C’est presque un rendez-vous sacré, un rituel, que je préserve et me réserve de manière assez égoïste il faut bien l’admettre, à chaque nouvelle exposition. Je veux parler du rendez-vous avec les œuvres, désormais orphelines de l’artiste, au moment de les accrocher au mur.
C’est un moment vraiment fort, intense, émouvant.
Je déballe les peintures, les dessins, les gravures ou les sculptures. Je les observe. Elle m’observe. On se regarde. Je les range sur le sol appuyées contre le mur, au bas de la cimaise et je commence à réfléchir à leur association. C’est un échange assez intime qui nous renvoie à notre perception de l’art, mais aussi à ce que propose l’artiste.
Bien sûr, lorsque je discute en amont d’une exposition avec un ou une artiste, j’ai l’envie de l’exposer, car j’apprécie son travail. Il y a donc une sorte d’adhésion mutuelle à la base de la relation galeriste – artiste. Pour autant, le résultat final peut réserver des surprises, avec des œuvres que l’on adore, d’autres que l’on apprécie plus modérément et rarement des œuvres que l’on n’aime pas.
Le défi de la mise en place d’une exposition sera de trouver la bonne harmonie entre toutes les œuvres, afin qu’elles soient à leurs justes places, avec leur qualité et leur défaut, pour créer un tout cohérent. C’est un processus de résilience en quelque sorte, pour faire naître du chaos un environnement visuel organisé, qui va permettre aux éléments les plus faibles d’être « soutenus », mis en valeur, afin qu’ils trouvent leur place dans l’ensemble, comme la pierre taillée dans la voûte d’une cathédrale.
Un lent ballet commence, pour trouver la structure adéquate, le bon rythme et le juste équilibre entre les œuvres qui vont être présentées. Chaque pièce doit s’intégrer parfaitement à l’ensemble et former un continuum cohérent, avec des lignes de force et des espaces de respiration.
Construire le fil d’une exposition revient à s’approprier l’œuvre d’art, que vient d’abandonner le peintre, le photographe, le sculpteur ou le graveur, pour la livrer au public en respectant autant les lignes directrices posées par l’artiste que sa mise en valeur et sa sublimation par son association avec les autres œuvres, l’architecture du lieu et sa lumière.
Les associations des œuvres peuvent suivre plusieurs logiques : le support, l’encadrement, la taille, la technique, la thématique par exemple. Le résultat qui émerge de ces réflexions est propre à chaque exposition. L’ensemble des œuvres présente à chaque fois une personnalité différente avec qui il faut dialoguer, pour trouver le bon fil rouge et les bonnes associations.
Pour ces instants de grâce et de mise en abyme des œuvres, où chaque élément doit trouver sa juste place dans un tout qui devient cohérent, j’interdis toujours la présence de l’artiste.
L’œuvre d’art devient vivante et vous parle, elle respire. Vous sentez son odeur. Vous touchez sa matière. Tous les sens sont en éveil. Certaines sont plus fortes que d’autres, d’autres vous semblent plus faibles. Vous voyagez à travers elle au cœur de l’intention de l’artiste.
Il se peut que ce processus prenne plusieurs heures d’observation, avant que l’enchainement des pièces soit le plus harmonieux possible. Il faut avancer à tâtons, faire et défaire, douter, éviter le piège des évidences, remettre en cause les associations trop faciles, qui déséquilibre l’ensemble, essayer des contrastes thématiques ou techniques, trouver un équilibre entre les pièces les plus fortes et celles qui vous semblent moins impactantes, jusqu’au moment où l’on traverse les espaces et que tout semble à sa place.
C’est difficilement explicable, mais il y a un moment précis, où mon pas se fait plus lent, où le regard se pose moins frénétiquement sur les œuvres, où je traverse la galerie, et je me dis, « Ça y’est. ». Il y a une sorte d’équilibre fragile et subtile où les œuvres cohabitent entre elles de manière harmonieuse, comme si elles respiraient dans un même souffle esthétique, malgré leurs qualités et leur propriétés différentes.
Dans son livre, « Le zen dans l’art chevaleresque du tir à l’arc, Eugen Herrigel a écrit : « Si l'on veut vraiment maîtriser un art, les connaissances techniques ne suffisent pas. Il faut passer au-delà de la technique, de telle sorte que cet art devienne "un art sans artifice", qui ait ses racines dans l'Inconscient. » Et il y a vraiment quelque chose de l’instinct et de l’indicible, dans ce processus d’appropriation des œuvres.
Les pièces encore posées et organisées sur le sol, faut-il encore les accrocher sur la cimaise. Pour cela, j’utilise des outils simples : la marteau et le clou, parfois des fils transparents avec des crochets, le double mètre, la règle, le niveau à bulle qui permet de tracer des horizontales et des verticales à angle droit, donc des perpendiculaires.
Commence alors, le travail d’agencement précis et méticuleux sur la cimaise. Pour cela, il y a de nombreuses méthodes possibles afin de définir les compositions, la hauteur d’accrochage, les alignements ou encore les conditions d’expositions et d’éclairage avec une lumière directe ou indirecte par exemple. On peut y ajouter également des constructions ou des assemblages selon le nombre d’or.
Mur après mur, les œuvres prennent placent sur la cimaise selon tout le travail de dégrossissement dont j’ai parlé tout à l’heure. On veille alors à définir un axe horizontal – qui se situe entre 1 mètre 60 et 1 mètre 70 – sur lequel va s’arrimer les œuvres. Selon leur taille, on peut définir un axe plafond et un axe plancher et les aligner sur le haut ou le bas, afin de donner un rythme à l’ensemble. On peut regrouper plusieurs pièces, laisser des vides et des respirations, dans des configurations quasiment infinies.
Si quelques règles de base esthétiques se retrouvent un peu partout dans les galeries d’art ou les musées, notamment celle de définir la hauteur de l’axe à la hauteur moyenne du regard du visiteur, l’accrochage en tant que tel reste très subjectif. Et surprendre en s’affranchissant des codes fait aussi partie des plaisirs de la mise en valeur des œuvres.
Au final, organiser les œuvres d’art d’une exposition, c’est travailler sur leur harmonie et leur esthétisme, pour sublimer leur association, réduire leur disparité qualitative, dans un tout cohérent, qui exprime avec le plus de force et d’émotion possible le propos de l’artiste et qui le serve.
Au centre de tout ça, reste bien sûr le travail de l’artiste et son œuvre. Mais la conceptualisation et la mise en valeur de l’Art a également un sens et une finalité, avec des règles et des harmonies à trouver. Cette rencontre avec l’autre, en l’occurrence l’artiste, est une invitation à l’écoute, au dialogue et à l’acceptation de la différence. Nous sommes pareils et différents à la fois, mais fait de la même matière première.
En montant une exposition, je m’engage envers l’artiste. Je me connecte à lui d’une certaine manière, pour que son travail unique s’inscrive dans un tout cohérent.
Dans ma galerie, les spots à la lumière froide, qui essaie d’approcher l’éclat de la lumière du jour, éclairent la cimaise.
Les œuvres posées sur le sol s’arriment aux murs, verticalement, puis les unes après les autres se déploient horizontalement. On quitte la ligne pour travailler en deux dimensions, avec notre plan d’exposition qui se construit avec le double mètre et le niveau à bulle, avec l’appui du marteau et du clou.
La narration de l’exposition se déploie peu à peu, pour que seule surgisse la force créative de l’artiste, par un ordonnancement harmonieux.
